Editorial: 2017 e o Ano das Vozes nos Quadrinhos

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Comecei a escrever isso como uma discussão de 2017 como o ano dos autores na DC e Marvel Comics. Mas, quando escrevi um fenômeno diferente, menos radical, mas mais difundido, surgiu; Eu me convenci de minha própria argumentação. Ao invés de 2017 como o ano dos autores nos quadrinhos mainstream, cheguei a ver 2017 como o ano em que os quadrinhos tradicionais abraçavam uma voz – e especialmente a diversidade de vozes – como uma ferramenta de marca…..

A “voz” sempre prevaleceu nos quadrinhos autorais, mas a Marvel e DC já tinham “estilos de casa” com os quais eles se esforçavam para aderir de forma rígida. Em torno do momento da falência da Marvel e da ascendência do surgimento do selo Marvel Knights de Joe Quesada para a criação de quadrinhos (e, em menor medida, Bill Jemas), Marvel mudou de marcha e permitiu aos criadores mais liberdade, com alguns atuando 01como arquitetos, desenvolvendo histórias que moldaram e impactaram toda a linha da editora. DC logo seguiu o exemplo com Countdown e liderou a Crise Infinita. Enquanto os criativos tomaram conta do desenvolvimento dessas histórias centrais, eles ainda estavam vinculados por uma estreita continuidade, ainda restringiam a natureza do processo. E sempre foi um pequeno grupo de escritores que ditavam a direção de todo o universo. Os artistas foram (e ainda são frequentemente) mantidos fora do ciclo de decisão, atribuíram problemas para o impacto máximo de marketing, ao invés de paixão. Parte disso é uma situação de agendamento; Leva mais tempo para desenhar do que qualquer outra coisa, mas essa preferência de programação sobre uma voz artística clara diz muito sobre a mentalidade do mainstream. A noção geral sempre foi marcar em torno de seus personagens, marcar em torno de figurinos, marcar as coisas que você definitivamente possui e definitivamente controle. Isso pode manifestar-se ao anunciar novos títulos sem equipes criativas anexadas – a implicação de sua excitação deve se manifestar para a marca Marvel, não para qualquer equipe criativa especificamente vinculada.

Em 2014, Cameron Stewart, Brendan Fletcher e Babs Tarr rejeitaram radicalmente a abordagem da DC para Batgirl. Enérgico, moderno, otimista, com grande ênfase nas relações interpessoais. Tornou-se a série da DC, um favorito dos cosplayers e um grupo diversificado de fãs que, de outra forma, poderiam ter passado a ler os meterais da DC. Foi emocionante e a DC tomou conhecimento. Fora do sucesso de Batgirl, DC You nasceu, uma nova iniciativa que prometeu colocar “história acima da continuidade”.

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A iniciativa DC You foi, para muitos de nós, muito refrescante, mas as vendas foram em grande parte decepcionantes – e, em alguns casos, catastróficas. Ninguém pode dizer com precisão por que falhou, mas, como leitor, vi muitas confusçoes sobre o que deveria ser, o que significava. Algumas das séries eram muito parecidas com Batgirl, outros eram completamente diferentes. Foram todos os 24 títulos da iniciativa destinados a atrair os adeptos da nova Batgirl? Todos deveriam ser feitos nesse estilo? (Não). Havia uma falta de clareza, e acho que isso – e não a variedade de “vozes oferecidas” – acabou prejudicando.

Em reação a DC You (e DC New 52) veio DC Rebirth, e aqui é quando DC, por design ou por alinhamento casual, pareceu integrar suas iniciativas anteriores. Eles trouxeram Geoff Johns, um dos escritores mais bem sucedidos de DC, para ajudar a moldar e redefinir sua linha principal. Ele consultou cada equipe criativa no início do processo, oferecendo notas de história a cada um deles. Ao mesmo tempo, eles trouxeram Gerard Way para criar o selo Young Animal, uma marca dentro da linha DC que atendia a muitos dos mesmos fãs e as mesmas sensibilidades que DC You estava orientada. Eles relançaram o selo Wildstorm com Warren Ellis no guia de assessoria editorial, trazendo o autor mais bem sucedido desse universo de volta para ajudar a recuperar e renovar a paranóia do sci-fi e a desconfiança institucional que fez a linha original se destacar. Eles formaram a linha Hanna Barbera, com recursos idiossincráticos e até subversivos em desenhos clássicos. E agora eles trouxeram Brian Bendis para curar sua própria linha, atraindo sua legião de fãs. E New Age of Heroes é, pelo menos ostensivamente, uma linha de personagens e conceitos novos, inspirados por artistas, que remetem à energia da década de 1990.

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Todos esses pequenos universos, existentes, coabitantes, às vezes ligeiramente conectados (como Young Animal é), às vezes independentes e conectados (como é o caso do Wildstorm), às vezes inteiramente não relacionados (Hanna-Barbera). Mas na vanguarda de todas essas coisas e mundos existe uma voz, a cura. Já não basta dizer: “Estamos contando uma história da DC”, ou mesmo, “uma história do Superman”, mas, em vez disso, “Uma história do Superman de Brian Bendis”, ou “Young Animal Shade the Changing Girl” “

Há uma anedota antiga sobre uma empresa de molho de massas tentando descobrir o molho de macarrão perfeito, o molho doce que atrairia a mais ampla gama de clientes. E o que os dados diziam que não havia um molho de macarrão perfeito, mas que havia 3: o normal, grosso e o picante. Que cada um deles tinha bases grande de fãs e dedicados que não necessariamente se cruzavam. “Macarrão ao molho” não era suficiente. DC parecia estar vivendo o momento dos “3 molhos”, e está capitalizando. Mas em 2017, além de ter apenas as continuações dessas linhas, obtivemos o lançamento de duas séries de quadrinhos descontroladamente bem sucedidos que tipificavam esse pensamento.

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Batman: White Knight é um quadrinho do Batman, sim. E é um quadrinho do artista Hollingsworth. Mas é, acima de tudo, um quadrinho de Sean Murphy e grande parte do marketing foi nessa linha. O próprio Murphy não só escreve, desenha e arte-finaliza o projeto, mas ele tinha idéias muito claras sobre o que ele queria da coloração. É uma história em quadrinhos que não se mantém no dia-a-dia da continuidade, uma abordagem que pode ter rotulado como “mundo paralelo” em um momento diferente. É uma expressão pura do entendimento de Murphy do Batman, tendo a liberdade para reconfigurar o universo e os personagens de acordo com sua visão e entendimento. E tem sido um grande sucesso para a DC, apesar do baixo desempenho tradicional dos quadrinhos fora da continuidade. Eu argumentaria que o que o torna único não é uma premissa inovadora – houve muitas falhas no romance -, mas a força de sua voz que está em toda parte.

X-Men: o Grand Design é, em muitos aspectos, o mais idiossincrático dos projetos. Não é tanto uma nova história como um recontar de mais de meio século de história dos X-Men, como Ed Piskor experimentou. E, no entanto, neste recontar, esta condensação, algo novo e poderoso emerge. É uma obra de design, e de tradução, e a tradução ainda é reveladora. As escolhas que Piskor faz transformam uma colagem de acontecimentos em narrativa. Piskor já fez isso antes, em seu Hip-Hop Genealogia, extremamente popular e influente. O Grand Design é como nenhum outro quadrinho dos X-Men já publicado (apesar de ser, em outro sentido, todo quadrinho X-Men já publicado) e, no entanto, excedeu todas as expectativas. Por quê? Não é só porque o público está com fome de historias dos X-Men; É porque eles sabem que Ed Piskor tem algo a dizer. Eles estão com fome de uma voz – alguns para ele, alguns para outro escritor qualquer – e no Grand Design encontraram.

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2017 foi o primeiro ano que parecia que a DC e Marvel, especialmente a DC Comics, entendeu a importância e o poder da “voz” nos quadrinhos e o poder dela como uma ferramenta para comercializar esses quadrinhos para públicos distintos.

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Editorial: 2017 e o Inicio da Era Pós-Heroica

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Uma série surgiu em muitas, muitas listas de melhores quadrinhos de 2017. Inclusive esta no top da minha também. Um quadrinho que já falei muito aqui no blog, Senhor Milagre de Tom King e Mitch Gerads. Já falei extensivamente sobre essa história em quadrinhos em resenhas e análises (o que você deve verificar se ainda não o fez: Confira aqui), mas também é um bom ponto de partida quando se trata de olhar para trás nos principais quadrinhos de super-herói do ano passado.

2017 sentiu-se como um grande ano politicamente, economicamente e socialmente. Nos quadrinhos você também pode sentir isso. Havia uma maré crescente nos quadrinhos (liderados em parte por Senhor Milagre) sobre heróis introspectivos. Heróis específicos passam por uma crise e aprendem a entender quem são e qual é realmente seu lugar no mundo. Em um ano em que muitos sentiram que precisávamos de nossos heróis para nos salvar, muitos se voltaram para olhar para si mesmos. Isso pode não parecer muito diferente do que vimos nas primeiras edições do Homem Aranha, Peter duvidando de si mesmo, mas sempre existe um perigo especificamente externo que conduziu essas questões morais. Em Senhor Milagre, em vez disso, recebemos um herói que começa tentando se matar e gastando o resto da série tentando entender o lugar que ele tem no mundo. Duvidando quem ele é, qual é a sua realidade – duvidando mesmo que esteja vivo.

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E é uma reação bastante compreensível. Viver no mundo é sobre criar sua própria compreensão sobre este mundo. O que é certo, o que há de errado, o que é aceitável. Vocês formam uma ideia do que o mundo deveria ser e, de certa forma, esperamos que o mundo se alinhe com nossas próprias crenças, porque usamos elas como base para nossa maneira de lidar com o mundo. Quando isso colapsa, quando as coisas começam a sentir que não estão à altura de nossas próprias expectativas ou não são do jeito que esperamos, muitas vezes isso de manifesta internamente. Como Scott Free em Senhor Milagre, ele se torna mais introvertido quando o mundo à sua volta deixa de ter sentido. Esse efeito de tipo TSPT (Perturbação de Stresse Pós-Traumático) acontece com todos nós e também acontece com nossos heróis.

Junta-se a Senhor Milagre nessas listas de melhores leituras são outras séries de super-heróis como Black Hammer, Batman e Black Bolt. Todos os três liderados com heróis sendo refletores sobre não apenas o que significa ser um herói, mas sobre quem eles são como pessoas. Suas próprias leis, seus próprios problemas, suas próprias neuroses. Batman passou um arco inteiro trabalhando seus próprios problemas com a morte e o assassinato antes que ele pudesse entregar-se a Selina Kyle. Os personagens de Black Hammer (Análise Aqui) têm que reavaliar todo o seu propósito com o conceito central da série, deixando de serem heróis de verdade. Qual é o objetivo deles? Qual é o significado de sua existência? E Black Bolt era tudo sobre essa auto-descrição forçada, pois Raio Negro foi preso, feito para se questionar como uma pessoa boa ou má e permitiu que personagens menores como Crusher Creel fizessem o mesmo. Os vilões nos dão tanta oportunidade quanto heróis para questionar as decisões em nossas vidas e, finalmente, o que isso significava.

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Com a recente notícia de que o escritor Tom King de Senhor Milagre e Batman está abordando uma nova série chamada The Sanctuary, um lugar para que os heróis possam lidar com seus próprios atos de violência e ter que definir uma maneira de lidar com isso, a tendência provavelmente continuará até 2018 e além.

“A Crise não está chegando. Ela já está aqui”. Anuncio de Tom King sobre a série The Sanctuary,

Parece que estamos vendo uma mudança na maneira como nos aproximamos dos heróis de nossas histórias e como suas ações e nossas reações às suas ações impactam a forma como consumimos a mídia. Estamos nos movendo para a Era Pós-Heroica, onde nossas feições infantis sobre pessoas de fantasia podem ser legais, mas, em última análise, salvar o dia está sendo trazido de volta ao debate. Nós fomos decepcionados por nossos heróis, uma ou outra vez, e a mídia em torno de nós está começando a inverter isso. Não é tão simples como olhar para o Superman e ver o cara que nos salva a toda hora, capaz de vencer qualquer competição, mas as questões surgem sobre as realidades dessa vida. Nesse mundo, onde tudo o que é bom é glorificado e tudo mal é um ato do vilão, o borrão cinzento no meio é difícil de identificar. Não em um Watchmen, arenoso e escuro, mas de uma forma que se encaixa diretamente sobre os humanos e as emoções humanas dessa área. Se o mal está atacando fisicamente as pessoas, mas o herói tem que atacar fisicamente para reprimir o perigo, isso significa que o bem também se torna mal? Caso contrário, como estabelecemos essa disparidade dentro de nós mesmos? Pior ainda, como os heróis fazem isso? Um homem pego roubando para alimentar sua família não é algo mal? Tivemos heróis sendo ruins e nós fizemos que os heróis fossem bons e tivéssemos mundos em que esses heróis eram “cinzentos”, mas raramente tivemos os estudos mais profundos de caráter que Black Bolt e Senhor Milagre nos deram ano passado e continuam nos dando em uma grande editora mainstream como Marvel e DC.

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Os super-heróis nos quadrinhos também mudaram frequentemente ao longo do tempo. Batman começou a vida como um herói Pulp, muitas vezes as histórias sendo criminais e de época. Eles repreenderam essas histórias nos períodos das gangues, mas trocaram elas por histórias de ciência quando a América e o mundo começaram a se fascinar por ela no final dos anos 50. Veja os anos 80, quando o mundo começou a se reunir contra os termos da época, coisas como Cavaleiros das Trevas imaginaram um novo estilo para o Batman. Nossos heróis normalmente remetem os tempos em que estão e acabam sendo os heróis que precisamos que sejam. O que vimos em 2017 provavelmente seja o mesmo, nossos heróis são reflexo do mundo ao nosso redor e sendo a referência que precisamos para nos ajudar a entender nosso relacionamento com um mundo ao nosso redor

Quando nossos heróis são assim, eles nos pedem para questionar nosso próprio BLack Boltorelacionamento com o mundo também. Se este super-humano é impactado por trauma, é difícil interpretar a vida, realidade e a luta de apenas existir… que chance eu tenho, como um humano modestamente normal? Onde eu caio no equilíbrio do bem ou do mal, certo ou errado, se o projetado para nos proteger e ser nossos modelos a seguir estão lutando contra os mesmos problemas?

Se essas séries nos disseram algo em 2017, esse ano muito difícil, é que a idéia de escalas, do bem e do mal, são bobagens. Elas não se relacionam bem com a vida e buscar esses heróis físicos e seus caminhos tradicionais também não são uma forma de ajudar. A grande mensagem de Black Bolt (Análise Aqui) foi aquela que se permitiu abrir sobre quem você é, tudo o que fez e aceitar isso, é o que permite que você cresça. Foi o que permitiu que Raio Negro se salvasse e escapasse da prisão. A vida de Scott parece pelo menos um pouco mais feliz quando ele tenta confrontar seus pensamentos e sentimentos em torno de seu próprio suicídio. O visual de ser perfeito não protege ninguém, de fato, é o contrário. Esses heróis ideais são mais prejudiciais do que são úteis. Se os heróis precisam enfrentar esse fato para se salvar, precisamos fazer isso e muito mais.

Nós já não vivemos na era dos heróis, estamos muito além disso. Os heróis não podem nos salvar até que eles se salvem. Eles não podem nos salvar até que nós o façamos primeiro.

Melhores Leituras de 2017: 10 – 01

Melhores Leituras 2017

Não me envergonho de admitir que tive uma um baita trabalho para fazer essa lista de melhores leituras de 2017. Enquanto os quadrinhos mainstream passaram por momentos de mudança (iniciativa Marvel Legacy, Metal e Doomsday Clock da DC), lançamentos independentes e originais floresceram de todos os cantos – um desenvolvimento claro quando você observa que 10 editoras diferentes estarão representadas nesta seleção. Como você classifica um drama familiar de longa data e confiável de ficção científica contra um livro de memórias íntimas sobre amar e abandono de seus sonhos? Como você consegue organizar uma lista com títulos mensais junto com uma graphic novel que tem uma história fechada? O resultado de reconciliar esses estilos é uma mistura de comentários sociais de super-heróis, imigração, pensamentos sobre aberrações e sátira da época das cavernas que ocupam as mesmas prateleiras das comics shops e bancas de jornal. Estes quadrinhos, por mais abrangentes em seus temas, estilos e execuções, são, simplesmente, os melhores quadrinhos de 2017.

Lembrando que vários títulos que chegaram ao país como Aqui, Paciência, Blacksad, Elric, Fragmentos do Horror eu li em 2016 e relançamentos como Black Hole, Akira, Ghost World e tantos outros que não iram aparecer nessa lista são pelo motivo que já os li em outros momentos no passado, mas facilmente eles estariam compondo essa lista.


The Best We Could Do
10 – O Melhor que Podíamos Fazer
Autor: Thi Bui
Artista: Thi Bui
Editora: Nemo

Graphic Novel é a crescente biblioteca de quadrinhos projetada para encapsular vidas reais que traz uma ampla gama de histórias importantes inteiramente novas para um público as vezes novo nesse mundo. Seguindo os passos de autores como Gene Luen Yang e Lucy Knisley, o Melhor Que Podíamos Fazer de Thi Bui apresenta a história da família do cartunista enquanto viaja do Sudeste Asiático para a América, e a posição que Bui encontra quando ele se torna imprensado entre seu filho e seus pais. Tal como acontece com muitas histórias de imigração, o livro de Bui gira em torno da identidade.

O melhor que podíamos fazer levou um bom tempo para ser concluído, e seu autor vendeu capítulos iniciais on-line, mas esse volume impresso coleta todos os 15 em um só lugar. Nascido em Saigon, Bui e sua família vieram para a América após a queda do Vietnã do Sul, e sua história oferece aos leitores uma visão especial sobre a vida de uma família que foge da violência e do medo em um momento de agitação política – um lembrete das micro cessões de macro ações políticas.


God Country

09 – God Country
Autor: Donny Cates
Artista: Geoff Shaw
Editora: Image Comics

Muitas histórias em quadrinhos lidam com a religião, incluindo a cosmologia pop-star de The Wicked + The Divine, as profecias apocalípticas de East of West, o absurdo blasfemo de Battle Pope e o sacrilégio com Preacher. Garth Ennis e Steve Dillon nos contam sobre um homem santo e rebelde, imbuído do poder de uma deidade menor, tem muito a dizer sobre o Texas e Deus, duas enormes entidades que também figuram na nova série da Image God Country, escrito por Donny Cates e ilustrado por Geoff Shaw com o colorista Jason Wordie. Cates e Shaw criaram uma opinião sobre a religião e a família, que é pessoal e convincente, e é uma surpresa que a Marvel tenha reunido a dupla em Thanos. Apesar de sua escala maior, God Country se sente como uma história muito pessoal sobre os membros da família, mesmo quando toda lógica diria que é hora de deixar eles irem.

Resenha Completa Aqui


Paper Girls 16

08 – Paper Girls
Autor: Brian K. Vaughan
Artista: Cliff Chiang
Editora: Image Comics

Depois de encapsular a nostalgia da juventude dos anos 80 em seu primeiro ano, a série de ficção científica de Brian K. Vaughan e Cliff Chiang só se tornou mais estranha e melhor quando seus mistérios se desenrolaram. O último blockbuster da Image leva quatro meninas de Cleveland e as empurra para um conflito no tempo-espaço entre o estabelecimento do envelhecimento e os diruptores juvenis. E, embora o Spielberg da era dourada tenha servido de ponto de partida, a excelente caracterização de Vaughan e as apostas crescentes reduzem a tensão após o escapismo: o que uma criança faz quando aprende que ela não vai sobreviver até a idade adulta? E pior: como uma criança reage  quando ela descobre que envelhecerá para um adulto medíocre e sem inspiração? Esses temas existenciais aparecem sobre um mar de cores em ursos gigantes e guerreiros de água doce, autoritários e robôs analógicos montados em dinossauro. Uma façanha seriamente impressionante em quadrinhos.


Extremity

07 – Extremity
Autor: Daniel Warren Johnson
Artista: Daniel Warren Johnson
Editora: Image

E se Star Wars fosse… bem, menos feliz para todos os envolvidos? E se o drama familiar tivesse um custo emocional maior e Luke e Leia não perdessem  sua família em um instante, mas tiveram que assisti-los se separarem pela guerra bem em frente aos seus olhos? A imagem descreve a nova série de Daniel Warren Johnson como um cruzamento entre Mad Max e Studio Ghibli, mas é uma mistura muito mais rica de influências – A trama fala sobre o trauma geracional da vida real dos envolvidos em genocídios e guerras.

Quadro a Quadro: Extremity: Proximidade Visual / Resenha Completa Aqui


Batman

06 – Batman
Autor: Tom King
Artista: Vários
Editoa: DC Comics

A execução do escritor Tom King no Batman foi definida por algo que raramente vemos nas iterações do Cavaleiro das Trevas: a vulnerabilidade dolorosa de Bruce Wayne. Batman de King repetidamente abriu-se para as pessoas ao seu redor – especialmente para Selina Kyle, que este ano tornou-se o mais íntimo confidente e noiva  de Bruce – revelando as emoções cruas que o levam a fazer o que ele faz. Combinado com alguns storyboards emocionantes (em particular, “The War of Jokes and Riddles”, um retrocesso tortuoso para os primeiros anos do Batman, que às vezes era tão incrivelmente trágico que conseguiu nos fazer rasgar nossos corações pelo Homem-Pipa), é difícil lembrar a última vez que a leitura da mensal do personagem teve essa experiência emocional, e que faz uma leitura fascinante e refrescante.

Quadro a Quadro: Fuga nos Telhados de Gotham / Análise: Alegoria a Guerra ao Terror em A Guerra das Piadas e Charadas


Moby Dick

05 – Moby Dick
Autor: Cristophe Chabouté
Artista: Cristophe Chabouté
Editora: Pipoca & Nanquim

Moby Dick é um dos textos mais analisados ​​e adaptados da literatura mundial, estudado e codificado ao longo de sua vida. Curiosamente, um artista escolheu reter o texto original de Melville e permitir visualizar o conto icônico sem interferir de outra forma. Para os leitores brasileiros, o nome de Christophe Chabouté provavelmente não é familiar, uma vez que a grande parte de seu trabalho está em seu francês nativo, mas é mestre de preto e branco, com painéis evocativos e uma habilidade usando faixas de escuridão para criar um sentido de um lugar sem detalhes excessivos. Chabouté trabalhou em grande parte sozinho ao longo de sua carreira, fornecendo o roteiro e a arte para seus quadrinhos, então este projeto oferece uma nova visão sobre o conto da grande baleia branca.


Meu Amigo Dahner

04 – Meu Amigo Dahmer
Autor: Derf Backderf
Artista: Derf Backderf
Editora: Darkside Books

“Meu Amigo Dahmer começou sendo um quadrinho de vinte e quatro páginas, publicado em 1997. A capa é memorável e uma das mais impressionantes de todos os tempos, mas Backderf viu sua criação como uma oportunidade desperdiçada – muito curta, muito resumida e mal desenhada. Esta graphic novel é uma versão mais abrangente das lembranças da Backderf. A história é composta pelas próprias experiências do autor, junto com as de seus amigos e vizinhos e as próprias confissões de Dahmer durante seus interrogatórios (surpreendentemente sinceros). Quaisquer dúvidas quanto se Backderf está dizendo a verdade está em várias anotações na parte de trás da edição, onde o autor denomina todas as suas fontes e observa quaisquer enfeites artísticos feitos. Nesta época em que tudo é supostamente baseado em uma história verdadeira, este livro de memórias prova a mais arrepiante de todas.”

Resenha Completa Aqui


My Favorite Thing is Monsters

03 – My Favorite Thing is Monsters
Autor: Emil Ferris
Artista: Emil Ferris
Editora: Fantagraphics Books

Há um universo alternativo, um localizado preocupantemente próximo ao nosso, onde não existe o My Favorite Thing Is Monsters de Emil Ferris . Havia tantos fatores trabalhando contra o lançamento deste quadrinho: Ferris passou décadas trabalhando em empregos diários sem um único quadrinho publicado; uma batalha com o vírus do Nilo Ocidental a deixou parcialmente paralisada e sem o uso da mão direita por anos; quando criou o manuscrito para Monsters, foi rejeitada por seu editor; e quando finalmente estava pronto para venda pela Fantagraphics, o navio contendo as cópias impressas foi detido no Canal do Panamá. Felizmente, vivemos neste universo, onde Ferris pode sorrir com confiança e ver que podemos ler uma das mais impressionantes dos últimos anos.

Monsters tem pontos de trama e imagens que se sentem confiantes para serem discutidas em cursos universitários mais cedo ou mais tarde (Se você leu Desaplanar de Nick Sousanis sabe o que eu estou dizendo). É uma história épica através da voz e arte de sua narradora, Karen Reyes, de 10 anos, uma moradora de Chicago de classe média baixa. Tomando a forma de esboços e roteiros rabiscados no caderno de Karen, a história é sobre limites cruzados: entre infância e adolescência, tensão e libertação, ficção e realidade, conforto e calamidades, vida e vida após a morte, abnegação e auto-revelação. É ao mesmo tempo um noir, uma história que mostra o processo de desenvolvimento físico, moral e psicológico, uma obra de impressionismo, uma celebração sobre cinema, um quadrinho de memórias de uma cidade e, improvável, uma exploração de um aspecto pouco conhecido do Holocausto. Se você quer ver o que esse meio selvagem dos quadrinhos é capaz de produzir e fazer você sentir e se emocionar… Fique esperto porque a obra será publicada no Brasil em 2018 pela Companhia das Letras. Desde já um dos maiores, se não o maior lançamento que veremos aqui em 2018.


Black Hammer

02 – Black Hammer
Autor: Jeff Lemire
Artista: Dean Ormston / David Rubin
Editora: Dark Horse

Uma mistura com todos os arquetipos dos super-heróis da Era de Prata que já se inventou. Lemire e os artistas Dean Ormston e David Rubin nos apresentam um mundo pós-moderno onde Adam Strange é um eremita assustador e sem sentido e Mary Marvel é uma mulher alcoólatra de meia idade presa no corpo de uma criança. Esses personagens estão inexplicavelmente presos na cidade rural de Rockwood, enjaulado por uma cerca invisível que os mata se eles atravessarem.

O segundo ano da série apenas insinuou a profundidade cavernosa esperando ser explorada; as relações, as aventuras e as décadas escondidas por trás de cada personagem. Black Hammer e a caracterização assombrosa – transmitida com sutileza por Ormston – é o que a eleva à excelência. Somente nas páginas dessa série a aceitação da mudança de forma de sua sexualidade se sente tão épica como uma batalha com um ser cósmico. Mas a principal característica desta série é trabalhar e transformar os heróis em personagens extramente humanos. Difícil você ler e não se identificar com algum deles. Por isso a leitura se torna intensa e poderosa e aconselho ter cuidado ao ler porque a historia trata bastante sobre assuntos sérios como depressão e suicídio.


Mr. Miracle

01 – Mister Miracle
Autor: Tom King
Artista: Mitch Gerads
Editora: DC Comics

Com a maxiserie Mister Miracle, Tom King e Mitch Gerads estão criando uma nova referencia literária nos quadrinhos. Assim como Watchmen canalizou o niilismo da Guerra Fria dos anos 80, Ghost World abordou o isolamento dos anos 90 e The Ultimates, o patriotismo pós-11 de setembro e a força militar não controlada, esta série pretende refletir a dissonância pré-apocalíptica dos tempos atuais – uma toxicidade que deu a King um ataque de ansiedade tão grave que o fez parar no pronto socorro. É um objetivo elevado, mas depois de ler as quatro primeiras edições você percebe que está vendo algo grande nascendo.

A série atrai um zeitgeist de discórdia em suas páginas, confinando o artista de fuga messiânico de Jack Kirby em uma gaiola de seu próprio mal-estar. Com o trabalho do artista de Xerife da Babilônia, Mitch Gerads, que tem expressões faciais e corporais sutis que se harmonizam com o diálogo naturalista de Tom King  acabam gerando um trabalho detalhista com a utilização da grade de 9 painéis. Dando a cada quadro uma história e um suspiro. Este não é apenas um quadrinho produzido para homenagear Jack Kirby, mas um quadrinho feito para marcar uma época. Simplesmente genial.

Quadro a Quadro: A grade de 9 painéis em Mister Miracle


 

Melhores Leituras de 2017: 20 – 11

Melhores Leituras 2017

Não me envergonho de admitir que tive uma um baita trabalho para fazer essa lista de melhores leituras de 2017. Enquanto os quadrinhos mainstream passaram por momentos de mudança (iniciativa Marvel Legacy, Metal e Doomsday Clock da DC), lançamentos independentes e originais floresceram de todos os cantos – um desenvolvimento claro quando você observa que 10 editoras diferentes estarão representadas nesta seleção. Como você classifica um drama familiar de longa data e confiável de ficção científica contra um livro de memórias íntimas sobre amar e abandono de seus sonhos? Como você consegue organizar uma lista com títulos mensais junto com uma graphic novel que tem uma história fechada? O resultado de reconciliar esses estilos é uma mistura de comentários sociais de super-heróis, imigração, pensamentos sobre aberrações e sátira da época das cavernas que ocupam as mesmas prateleiras das comics shops e bancas de jornal. Estes quadrinhos, por mais abrangentes em seus temas, estilos e execuções, são, simplesmente, os melhores quadrinhos de 2017.

Lembrando que vários títulos que chegaram ao país como Aqui, Paciência, Blacksad, Elric, Fragmentos do Horror eu li em 2016 e relançamentos como Black Hole, Akira, Ghost World e tantos outros que não iram aparecer nessa lista são pelo motivo que já os li em outros momentos no passado, mas facilmente eles estariam compondo essa lista.


Black Bolt

20 – Black Bolt
Autor: Saladin Ahmed
Artista: Christian Ward
Editora: Marvel Comics

Talvez não haja uma série este ano que faça um trabalho mais fantástico de humanizar e respirar nova vida em seu personagem central do que a de Saladin Ahmed e Christian James Ward com Black Bolt. Embora o rei Inumano tenha sido um acessório da Marvel há décadas, Black Bolt tira o monarca de seus amigos, família, poder e ambiente, para transformá-lo em uma versão mais tridimensional e confiável de si mesmo da nossa memória recente. Em Black Bolt, Blackagar Boltagon torna-se um homem – não no sentido de que ele não é mais Inumano, mas sim o vemos caminhando e vivendo entre as pessoas de uma maneira que o justifique.

À medida que Black Bolt e seus companheiros tentam encontrar o caminho para sair de uma prisão espacial horrível, a personalidade do rei se ergue e vemos que ele é muito mais que a pessoa estúpida e estoica em que ele é mais frequentemente retratado. Ele é compassivo e atencioso, mas também vulnerável e assombrado pelos erros de seu passado. Nenhuma dessas coisas é exatamente chocante – Raio Negro é um cara bastante normal considerando tudo – mas essas são partes dele que, tipicamente, são literalmente silenciosas.

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Pantera Negra

19 – Pantera Negra
Autor: Ta-Nehisi Coates
Artista: Brian Stelfrezee
Editora: Marvel Comics

O Pantera Negra tornou-se uma verdadeira força a ser reconhecida no Universo Marvel novamente, e é tudo graças a esta série. É maravilhosamente trabalhada e uma história inteligentemente elaborada sobre um rei tentando fazer o certo por um pais que decidiu não querer mais um rei. Desde a fase extremamente influente de Cristopher Priest, não víamos um quadrinho do personagem tão ousado, seguro de si e disposto a assumir riscos com a franquia. É exatamente o tipo de história que o personagem precisa, pois finalmente ele vive seu primeiro sucesso fora dos quadrinhos.


Redlands
18 – Redlands
Autor: Jordi Belaire
Artista: Vanesa Del Rey
Editora: Image Comics

 

Nos quadrinhos, a feitiçaria é muitas vezes representada como uma força maior que a vida, quase divina, que praticam com uma precisão cientifica. Em Redlands, no entanto, a magia é uma força primitiva e indomável que funciona em conjunto com um trio de bruxas que descem em uma pequena cidade da Flórida que está apodrecendo por dentro com corrupção. No seu núcleo, Redlands é uma história sobre o poder – aqueles que o têm, aqueles que se percebem como não o tendo, e como esse desequilíbrio, ou a sua percepção, podem fazer as pessoas justificarem suas ações uns com os outros.

Quadro a Quadro sobre Redlands


The WIld Storm

17 – The Wild Storm
Autor: Warren Ellis
Artista:
Editora: DC Comics

“O manuseio da marca da Wildstorm pela DC tem sido desleixado há muitos anos, mas é provável que Warren Ellis possa botar as coisas no trilho. The Wild Storm # 1 serve como um começo acessível e promissor para este reinicio ambicioso. É claro que não está tentando replicar os sucessos do passado, mas sim encontrar novas maneiras de fundir histórias de super-herói de alto conceito com o mundo pós-moderno em que vivemos.”

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The Wicked + Divine

16 – The Wicked + Divine
Autor: Kieron Gillen
Artista: Jamie Mckelvie
Editora: Image Comics

Agora, em seu terceiro ano, a série de Kieron Gillen e Jamie McKelvie em que as pessoas comuns se transformaram em figuras míticas – com o conhecimento de que estarão mortas em dois anos ou menos – entrou no seu ritmo e, em seguida, completamente decolou. Graças ao arco de histórias da “Fase Imperial” em um ano magistral, os dois criadores (e o colorista Matt Wilson, cujo trabalho é parte integrante da série de várias maneiras) foram bons em todo o planejamento que eles fizeram até esse ponto e The Wicked + The Divine sempre foi uma das séries mais inteligentes e mais elegantes em publicação – sem mencionar uma das mais discutidas – e, como este ano ficou claro, só está melhorando com o passar do tempo.


Motor Girl

15 – Motor Girl
Autor: Terry Moore
Artista: Terry Moore
Editora: Abstract Studio

Às vezes absurda, mas consistentemente emocional,  as série da editora Abstract Studio Motor Girl chegou ao fim este ano de forma emocional: Contando a história de uma veterana de guerra chamada Samantha que confia em um gorila gigante que só ela pode ver e ouvir em meio ao cenário de um conflito interestelar que lentamente está fazendo o seu caminho para a Terra ao longo da série.

Mas, enquanto o enredo geral está misturando a surrealidade da ameaça alienígena que a Terra enfrenta com os problemas muito reais de Sam, a série é sobre as experiências de Sam como soldada e prisioneira de guerra. Suas conversas com seu melhor amigo imaginário e as pessoas totalmente reais ao redor dela pintam uma imagem dolorosa dos problemas que os soldados têm ao retornar da guerra. Terry Moore, que é mais conhecido por seus livros Estranhos no Paraíso e Echo, usa sua arte para traçar uma linha sutil entre os habitantes surrealistas cartoonistas da vida de Samantha e os humanos que ainda estão esperando por ela voltar para casa.


The Old Guard

14 – The Old Guard
Autor: Greg Rucka
Artista: Leandro Fernández
Editora: Image Comics

The Old Guard apresenta muitos indícios que serão reconhecíveis para os fãs de Greg Rucka, incluindo uma forte protagonista feminina torturada e um forte foco em espionagem e plots sobre raças. Mas quando combinados com o ângulo de imortalidade Highlander, o resultado final é algo refrescante e novo. Rucka e o artista Leandro Fernández canalizam praticamente Brian Azzarello e Eduardo Risso ao apresentarem este mundo de mercadores imortais.

Rucka é particularmente experiente na introdução de personagens e mundos. Ele apenas mostra aos leitores o que eles precisam saber sobre Andy e sua equipe, preferindo deixar a arte e o diálogo falar. E você fala com eles. O sombrio estilo de Leandro Fernandez captura todo o atrativo cru e sombrio deste mundo. O sombrio estilo de Fernández vai de mãos dadas com as cores de Daniela Miwa, que trazem vida para os quartos iluminados pela lua, as convidáveis ​​ruas de Paris e os desertos varridos pela areia que compõem esta série.


Doom Patrol

13 – Doom Patrol
Autor: Gerard Way
Artista: Nick Derington
Editora: Young Animal

Fiquei cético quando a DC Comics anunciou que Gerard Way – sim, o vacalista do My Chemical Romance, que também faz quadrinhos – iria dirigir toda uma marca de quadrinhos alternativos com personagens originais no DCU ou muito obscuros e clássicos. Parecia um excelente projeto para outra empresa; o tipo de idéia que, em uma editora como as majors DC ou Marvel, venderia muitas edições #1 e cairia imediatamente depois. As séries podem ser brilhantes flashes de criatividade dignos de leitura, mas o obstáculo para encontrar um público  grande.

É uma grande conquista em juntar um elenco de personagens que achei instantaneamente atraentes mesmo quando não estava exatamente certo do que estava acontecendo. Com uma líder cujas brechas de memória acabaram por levar a revelação de que ela é o herói de um quadrinho sobre a versão mais violenta de um desenhado animado trazida à vida na realidade por… uma ambulância que também é um mundo ficcional de ficção chamado Danny? Talvez eu não tenha conseguido entender exatamente o que se passa na história, mas Doom Patrol é extremamente surreal, cheio de coração, lindamente colorido e inventivamente desenhado.


Shade the Changing Girl

12 – Shade the Changing Girl
Autor: Cecil Castellucci
Artista: Marley Zarcone
Editora: Young Animal

Como a maioria dos jovens, Shade preenche o vazio deixado pela Veritgo nos anos 90, uma estranha e maravilhosa aventura que se sente como uma jóia de uma editora independente. Uma peça sobre Shade de Steve Ditko, O Homem Mutável (mais conhecido pela longa fase de Peter Milligan e Chris Bachalo na Vertigo), Shade seria cativante se focasse apenas nas origens alienígenas do personagem titular e suas aventuras ao explorar um planeta estrangeiro. Mas o que realmente faz o brilho da série é o equilíbrio do fantástico e do mundano, reconhecendo que ser uma adolescente não é tão diferente de ser um alienígena superapropriado com um casaco mágico que permite que você possua outras pessoas. A série trata bem nossos anos de adolescência que são marcados por uma vontade juvenil de escapar do conhecido e seguro.

A paleta de arte e colorista de Kelly Fitzpatrick, de Marley Zarcone, é vital para fazer de Shade algo psicodélico e familiar, derretendo a realidade em torno da protagonista Loma, mesmo que ela manipule a vontade dela. Esse tipo de passeio introspectivo e caleidoscópico não é inédito nos quadrinhos, mas é raro, se não completamente sem precedentes, fazer com que ela seja uma jovem. Loma tem permissão para participar de todos os comportamentos para os quais a sociedade muitas vezes ridiculariza mulheres jovens: ela é má para seus amigos, obcecada com sua posição social, buscando constantemente algo novo e único. Mas isso não a torna menos atraente de um protagonista, ou sua jornada de auto-descoberta é menos importante e agradável. É a ponte perfeita para mais quadrinhos adultos para fãs de séries como Hora de Aventura e Rick e Morty, repleto de personagens complicados e emocionantes aventuras, mas enraizado no desejo de conhecer o mundo e a si mesmo.


A Poderosa Thor

11 – A Poderosa Thor
Autor: Jason Aaron
Artista: Russel Dauterman
Editora: Marvel Comics

Não importa quantas vezes a Marvel possa relançar, redefinir ou renumerar o Thor de Jason Aaron, a qualidade permanece constante. A Poderosa Thor foi o melhor quadrinho de super-herói da Marvel antes do Marvel Legacy, e mostra todos os sinais de manter esse status neste novo relançamento. A série é uma das mais épicas e imaginativas sendo publicada, relatando o surto de uma guerra maciça nos Dez Reinos, mesmo que conta histórias muito pessoais sobre a batalha de Jane Foster com o câncer e as relações entre deuses e aqueles que os adoram. No final do dia, a série ainda faz a mesma pergunta que fez no início da corrida do escritor Jason Aaron – o que faz um Deus verdadeiramente digno?

 

Editorial: O Centenário de Jack ‘ The King’ Kirby

Capa

Jack Kirby, nascido neste dia em 1917 em Nova York, é o maior criador de quadrinhos que já viveu.

Isso não é algo que considero estar em debate. É algo que é evidente a cada vez que você sentar para ler um de seus quadrinhos – e, mais que isso, qualquer quadrinho nas bancas hoje – e ter sua mente soprada por uma energia motriz e as possibilidades ilimitadas que marcou os quadrinhos de super-hérois. O simples fato é que o trabalho de Kirby não era apenas grande por si só, mas que os quadrinhos de super-heróis, como os conhecemos, simplesmente não existiriam sem ele.

Não é apenas o grande volume de histórias e personagens que ele criou ao longo de seis décadas trabalhando em quadrinhos que o tornam o maior, embora seja definitivamente uma parte importante disso. Afinal, criou a grande maioria dos principais super-heróis de Marvel, de Thor a Homem de Ferro ao Hulk e vilões como o Caveira Vermelha e Loki; E há mais do que um punhado de personagens na DC que tem suas impressões digitais sobre eles, incluindo Darkseid e o resto dos Novos Deuses.

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Essa lista de criações inclui personagens criados há 75 anos atrás, incluindo um nascido de um desejo muito específico de dois jovens de Nova York em 1940 que queriam tanto alguém que representasse o melhor de seu país para derrubar  Hitler com um único soco. O Capitão América foi criado meses antes dos Estados Unidos ter entrado formalmente na guerra; Ele permanece vital e popular hoje porque ele representa algo universal; Um desejo de alguém para nos proteger dos horrores do mundo. E Kirby não é apenas o melhor por causa de sua capacidade de contar histórias em grande escala, eletrizando a imaginação com infinitas possibilidades que ainda se sentem reais -, porém, você não pode negar esse aspecto de suas conquistas.

As histórias de Kirby eram muitas vezes cósmicas no sentido mais verdadeiro da palavra, construídas em torno de conflitos intermináveis ​​entre deuses ou criaturas das profundezas do espaço, mas também eram coisas com as quais todos nos relacionávamos. Os vilões de Kirby eram nossos vilões; Os horrores da guerra, a sensação de que havia algo lá fora que não nos odiava, mas simplesmente não se importava; Que não fomos nada aos olhos de uma força maior da natureza; Que o vilão mais perigoso e mortal era realmente a parte egoísta e amarga de nós mesmos que justificava nosso ódio.

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As histórias de Kirby eram de natureza universal a ponto de serem simples; Contos de heróis e vilões onde toda metáfora foi despojada para o literal, mas contos que ainda faziam um exame complexo. Mas, novamente, não é isso que o torna o maior. E não é que seu estilo visual foi marcado por uma energia e um bombardeio que se tornou quase um gênero em si, cheio de exagero heróico, close-ups extremos, rajadas de cor no espaço e máquinas complicadas que sentiram que poderia se conseguir qualquer coisa .

E não é que a mesma energia estivesse sangrando em sua escrita, cheia de pronunciamentos audazes e “agarradores” que prometiam a ação maior, mais selvagem e mais grandiosa de todos – e as entregou. Que ele poderia combinar esses dois elementos em uma força criativa que ninguém mais poderia combinar faz com que seu trabalho menor seja notável e fascinante, e faz seu maior trabalho sem paralelo até hoje, mais de vinte anos após sua morte.

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Não é apenas que ele foi um pioneiro do meio, inventando gêneros inteiros como quadrinhos de romance (ao lado de Joe Simon) e trabalhando com Stan Lee para combinar o drama de novela e a ação para formar a base da narrativa moderna de super-heróis. E não é um de uma dúzia de outros atributos que ele trouxe para a página, de estar constantemente do lado do pequeno, de possuir um impulso que o viu criando “todas aquelas histórias maravilhosas e sonhos horríveis” até sua morte em 1994, mesmo em uma indústria que ele ficaria desiludido uma e outra vez. Não é nada disso. São todas essas coisas, e é outra coisa, também.

É influência. É inspiração. É o fato de que as pessoas que leram os quadrinhos de Kirby foram inspiradas a criar obras fantásticas por conta própria, para se apoiar nos ombros do maior gigante da história do meio e levar adiante, construir seu caráter e idéias. Isso, tudo isso, é o que faz de Kirby o maior de todos os tempos. Em um nível puramente funcional, o mais redutor, não teríamos todos os personagens e conceitos que ele criou se ele nunca tivesse pegado seu lápis, mas também não teríamos seu espírito percorrendo-nos sempre que relebramos o que ele fez e o que os quadrinhos podem fazer. Ele é uma força criativa, uma inspiração em todos os sentidos, e enquanto estivermos lendo quadrinhos, ele continuará sendo tudo isso.

Não há dúvida de que ele era o melhor. Vida longa ao rei.

Editorial: Novidades SDCC 2017

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Outra San Diego Comic-Con se passou, como sempre, há uma grande quantidade de notícias para comentar, desde o estrondo maciço de trailers, cosplays deslumbrantes até para a raiz de tudo: quadrinhos. A convenção deste ano, e os dias que antecederam o evento, estavam cheios de anúncios importantes, incluindo os novos quadrinhos digitais exclusivos da Comixology da Marvel e a parceria de Frank Miller e John Romita, Jr., que se uniram para o Superman: Year One. Mas não é somente os grandes escritores que vou comentar aqui. Em vez disso, estou entusiasmado com as estrelas em ascensão que usam despotes intergalácticos, editores influentes reunindo surpreendentes talentos, sequencias há muito tempo esperadas, criadores que descrevem linhas da empresa e encontros fora da realidade. Curioso? Continue lendo a seguir:


Grant Morrison anuncia Arkham Asylum 2 com Chris Burnham 

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Grant Morrison deixou escapar dois anúncios no primeiro dia da San Diego Comic-Con: o segundo volume de Wonder Woman: Earth One com Yanick Paquette e Arkham Asylum 2 , um retorno inesperado ao título que ajudou a fazer o seu nome na DC Comics em 1989. O Arkham Asylum original de Morrison , cuidadosamente pintado e desenhado por Dave McKean, apresenta um Batman sexualmente reprimido que não consegue segurar os restos de sua sanidade e é a novela gráfica original mais vendida da DC de todos os tempos. Arkham Asylum 2 parece ser uma sequencia apenas no nome com o colaborador de Morrison Chris Burnham vindo a bordo para um conto do Damien do Wayne do futuro, vislumbrado em Batman #666. Qualquer novo trabalho de Morrison é motivo de celebração – uma colaboração de Burnham que continua a sua saga no Batman enquanto homenageia o clássico de 1989 de Morrison e McKean. É motivo de desmaios histéricos.


The Terrifics

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Recentemente, no final dos anos 90, os criadores de quadrinhos famosos geralmente passaram seu tempo entre Marvel e DC, trabalhando propriedades e personagens das editoras. Jack Kirby, John Byrne, Chris Claremont, Simonsons e inúmeros outros negociaram em escritórios em Manhattan para melhores negócios e um trabalho mais digno. Essa tendência secou com o advento dos quadrinhos autorais e do interesse do cinema / TV. Se os criadores não estivessem investindo em suas próprias propriedades que pudessem licenciar, eles estariam presos nas grandes empresas. Jeff Lemire parecia que se tornaria uma outra estatística nesta tendência, envolvendo sua fantástica fase no Cavaleiro da Lua, entre outros títulos da Marvel, para dedicar seu tempo aos títulos autorais como Royal City e Descender na Image e Black Hammer para a Dark Horse. A DC Comics trouxe o autor premiado com Eisner para escrever The Terrifics, um quadrinho de equipe de super-heróis, estrelado pelos personagens B: Metamorpho, Plastic Man, Mr. Terrific e Phantom Girl. Ilustrado por Ivan Reis com base em desenhos de Evan “Doc” Shaner, o título nasce através do evento de verão da DC, Metal, o que faz sentido – a história é projetada pelo amigo de Lemire e colaborador de AD: After Death, Scott Snyder. Enquanto sabemos pouco sobre o quadrinho só  esperamos fantásticas aventuras escritas por um dos autores mais prolíferos da atualidade.


Duke Thomas ganha sua propria mensal: Batman – The Signal

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Poucos personagens mereceram ser o aprendiz do Batman mais do que Duke Thomas. Depois que Gotham foi devastada por Charada e Coringa na série do Batman nos Novos 52 propriamente dita, Thomas ergueu um exército de heróis voluntários em We Are Robin, enfatizando a esperança e a reconstrução sobre um severo vigilantismo. Seus pais também foram vítimas dos maníacos e depois de serem expostos às toxinas do Coringa, estendendo-se a um nível obrigatório de loucura paternal, embora sem o niilismo e o abandono da origem de Bruce Wayne. Esses tópicos seram explorados em uma nova série, Batman: The Signal , em uma data não divulgada após a conclusão do evento de verão da DC, o MetalNenhum artista foi anunciado, mas a série será escrita pelo Scott Snyder e Tony Patrick – um ex-aluno do Workshop de Desenvolvimento de Talentos da DC e o escritor da editora Black Mask (futuramente irei falar mais desta editora aqui). Apenas um punhado de quadrinhos satânicos do Batman tem prosperado criativamente nos últimos anos, mas a disposição de Thomas poderia se prestar a algumas direções narrativas intrigantes.


Mark Waid e Chris Samnee assumem a mensal do Capitão América

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Independentemente da sua posição no polêmico Mega-evento Império Secreto de Nick Spencer & co., no qual Steve Rogers lidera a Hydra em uma aquisição fascista – é inegável que o personagem precisará de alguma… mudança de ares seguindo a conclusão do evento. Marvel já assegurou aos fãs alguns meses atrás que Steve não se tornaria um vilão de fato (ou que morreria) no fim do evento, mas não é fácil voltar, você sabe, alinhando-se com os nazistas da ficção. A dupla de autores concluiu recentemente uma fase da Viuva Negra e colaborou em maior parte da fase do Demolidor no selo Marvel Now, ambas as séries aclamadas por trazer seus respectivos personagens de volta às suas raízes. Visualize a arte para o Capitão América da Waid e Samnee, que começa com o problema #695 em Novembro, revela um tom heroico. Depois de um ano assistindo Steve aclamar a Hydra, isso não poderia ser mais do que bem-vindo.


Jeff Smith retorna ao universo de BONES

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Não houve um trabalho da lenda, Jeff Smith, que não caiu na graça do público e seu primeiro trabalho – a fantasia / comédia épica Bone ganha uma sequencia. Depois de trabalhar seu sci-fi noir, RASL e antes de renovar sua mítica aventura de bruxas, Tuki Save the Humans, Smith está revisitando seu adorável trio de primos albinos. No ano passado, ele lançou Bone: Coda, uma novela gráfica do 25º aniversário onde colocou suas criações contra um abutre monstruoso quando eles voltavam para casa em Boneville. No próximo verão, ele lançará o livro dos Sonhos do Smiley e é a primeira de duas obras planejadas, e o formato se adapta perfeitamente à proficiência da narrativa de Smith. O cartunista se destaca em painéis apertados sem medo para mostrar variações sutis na linguagem corporal e na progressão da história. Será uma edição encantadora e luxuriante para qualquer biblioteca e leitor.


Donny Cates e Geoff Shaw assumem a mensal de Thanos

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Ao anunciar um contrato exclusivo com a Marvel e uma nova fase em Doutor Estranho com Gabriel Hernandez Walta, escritor de Babyteeth (Leia a resenha Aqui) e Redneck  (Resenha em breve) Donny Cates pode adicionar outro personagem do universo cinematográfico da Marvel ao seu currículo: Thanos. Participação de Cates no título solo do vilão roxo tem a ajuda de seu colaborador da série God Country, Geoff Shaw, cujo estilo de tinta reduzida deve marcar um passo cinético do trabalho de Mike Deodato Jr., lançado em parceria com o escritor Jeff Lemire. Enquanto o retorno de Lemire à DC é notável, suas histórias na Marvel não foram muito notáveis, com Thanos em particular sendo bem aquém das expectativas . Agora que o público tem uma visão melhor do proximo filme dos Vingadores com Josh Brolin interpretando o titã louco e da desvastação que ele causará, a nova fase merece algo de sua importancia que Cates e Shaw podem entregar.


Umbrella Academy: Hotel Oblivion finalmente tem uma data de lançamento

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Quem sabia que a única coisa que estava entre Gerard Way e um cronograma de escrita semi-regular era sua carreira musical massivamente popular? Desde que a banda My Chemical Romance entrou em hiato e o lançamento de seu álbum solo, Way concentrou-se em grande parte nos quadrinhos, orientando o selo Young Animal na DC e escrevendo o título emblemático Doom Patrol. No final de semana passado, Dark Horse anunciou o lançamento iminente do quadrinho mais consistente de Way, Umbrella Academy: Hotel Oblivion. lançado em 2009, seguindo os volumes de sucesso da série, um e dois, o Hotel Oblivion ainda não viu a luz do dia, com ambos os co-criadores Way e Gabriel Bá produzindo outro trabalho atualmente. Agora que a Netflix anunciou uma série live action de Umbrella Academy é sensato que Way e Bá retornariam ao seu premiado universo… em algum momento em 2018. Dark Horse fez bem em não anunciar uma data exata para o lançamento e está esperando a história estar pronta para impressão. Vamos aguardar.


Crossover da Young Animal com a Liga da Justiça

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Eu adoro a Young Animal – um selo pop com a curadoria do ex-vocalista do My Chemical Romance Gerard Way – algo feroz. Quatro quadrinhos promovem uma adoração profunda para a maravilha, o otimismo e o estranho buraco de coelho pós-moderno da clássica Vertigo e a hipérbole de Jack Kirby. Essa energia volátil não poderia ser contida sob um único guarda-chuva editorial e, em janeiro, irá escorrer para o principal universo da  DC. Way anunciou que cada série – Doom Patrol , Shade, The Changing Girl , Mother Panic e Cave Carson – cruzará com uma série de super-heróis em uma linha de anuais. A primeira edição colocará os marginais da dimensão de Doom Patrol contra a Liga da Justiça em uma série co-escrita por Steve Orlando e ilustrada por ACO, que desenhou a excelente fase de Orlando em Midnighter. A informação sobre as promoções restantes ainda são poucas, mas a abordagem parece pensativa e colaborativa e uma oportunidade fantástica para dar mais atenção a este fértil selo de quadrinhos. Além disso: uma capa gloriosa, cortesia de Frank Quitely, estrelado por um novo herói e hipotético advogado do leite, “Milkman Man”.

Editorial/Análise: Senhor Milagre, por Tom King e Mitch Gerads

Pouco antes do lançamento de sua edição de estréia em Batman no verão passado americano, Tom King acordou na sala de emergência. O ex-oficial da CIA e escritor de quadrinhos por trás de clássicos modernos como The Sheriff of Babylon , The Vision e The Omega Men teve um ataque cardíaco que o enviaria para uma sepultura precoce. Felizmente, o diagnóstico revelou um forte ataque de pânico. Embora o escritor não tenha passado para o além, ele voltou a uma realidade que não se sentia o mesmo. King em entrevista disse:

Eu flertei com o limite da morte e voltei, e acordei e o mundo inteiro parecia diferente. Não quero dizer isso de uma maneira política, mas o mundo como é hoje – o que está acontecendo todos os dias – não faz sentido. E isso pode ser tão simples quanto o Super Bowl não fazer sentido. Ou pode ser tão louco quanto as pessoas estarem quebrando leis em nosso país que nunca devem ser quebradas 

A dupla Tom King e Mitch Gerads está divulgando a sua próxima série, Senhor Milagre com data de lançamento para 09 de Agosto, sobre um análogo cósmico de Jesus Cristo que também é um artista de circo escapista, e como neste momento, é muito, muito difícil não se sentir preso em um laço sem fim do estranho, ansioso e absurdo. Mas se suas colaborações anteriores são extremamente realistas, o projeto não oferecerá qualquer escapismo. King e Gerads se destacam na criação de personagens incrivelmente simpáticos que tentam desencadear causas condenadas – um legado perfeito para esta nova série.

Darkseid is: Termo tirado da série JLA por Grat Morrison. Essa afirmativa mostra que o vilão não é apenas o ser que quer conquistar, ele não é como Mongul ou Thanos. Ele é o mal dentro de nós. Ele é a escuridão. Isso é algo inexorável. Darkseid existe. Isso está lá.

A origem do senhor milagre é de tragédia e triunfo. Há muito tempo, dois mundos em conflito de deuses decidiram negociar um tratado de paz e parte do acordo incluiu uma troca de herdeiros. Então Darkseid de Apokolips trocou seu filho Orion por Scott Free, o filho do rei de New Genesis. Scott cresceu na paisagem infernal que é Apokolips sem nunca conhecer sua verdadeira herança, mas houve um raio de luz: é aí que ele conheceu sua futura esposa, Grande Barda.

Cansado de viver sob a regra tirânica de Darkseid, a dupla fugiu para a Terra. Foi lá que Scott conheceu o artista de fuga Thaddeus Brown e seu assistente Oberon e aprendeu a ser um mestre escapologista. Depois que Thaddeus faleceu, Scott pegou o nome artístico de seu professor e tornou-se o Senhor Milagre. Ele passou a se juntar à Liga da Justiça Internacional com Grande Barda, usando suas habilidades de fuga e poderes piedosos para ajudar os outros como um super-herói.

E embora o Senhor Milagre pudesse escapar de qualquer armadilha mortal ou restrição elaborada, Free sentiu-se preso em seu pesadelo de infância. O personagem se encaixa perfeitamente na obra de King de ironia trágica, incluindo os radicais espaciais torturados de O Omega Men e os sonhos imploráveis ​​de The Vision – todos os retratos de deuses com vulnerabilidades destrutivas. É também uma tela nova e brilhante para Gerads, cujo trabalho mostrado nas imagens prévias aborda principalmente as intrigas militares e de nível de rua, adicionando ainda empatia ao Todo-Poderoso. O artista canaliza uma série embriagante de imagens para o projeto, imitando linhas de distorção em televisores antigos.

Assim como a critica a sociedade americana em The Vision ou as criticas as guerras em The Sheriff of Babylon e The Omega Man, King com Senhor Milagre quer criticar o atual presidente dos Estados Unidos e a vida de extremos que nós estamos levando. King queria escrever sobre a era Trump, mas não queria escrever de qualquer forma como ele mesmo diz: “Fascismo é uma merda ou Trump é um escroto. Isso não leva você a lugar algum. Você está pegando seu feed do Twitter e colocando-os em painéis. O que eu queria fazer é capturar a emoção do período e a ansiedade, como Alan Moore capturou a ansiedade dos anos 80 ou Kirby capturou a ansiedade dos anos 70 ou mesmo Lee capturou o otimismo dos anos 60; Para capturar o sentimento, mais do que a política. Isso é o que me interessa. É assim que você faz algo que não é uma polêmica”


Análise: Uso da grade de 9 painéis por Tom King e Mitch Gerads em Senhor Milagre.

A parceria de Tom King e Mitch Gerads tem o uso padrão da grade 9 paineis em suas série e Senhor Milagre isso não seria diferente. Em uma entrevista na Comic Con San Diego 2017 o autor informou que após a página quatro, tudo se passa em uma grade de 9 painéis. Tudo isso fica claro após suas afirmações sobre suas intenções com esta história: a ideia de claustrofobia. Para dar uma idéia do que é ser preso, não só nos temas e nas palavras, mas na estrutura do painel real.

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Essa página mostra um bom exemplo em como usar essa estrutura de 9 painéis:

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Cada painel tem um unico ponto de foco. Você pode ver a cada quadro uma unica coisa criando um ritmo e não sobrecarregando as imagens.  Outro ponto é a dinâmica linha de leitura. Uma linha desloca-se para cima e no quadro seguinte ela vai deslocando-se para baixo  através das imagens menores.

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O padrão é quebrado nos quadros do meio , mas cada linha ganha seu próprio estilo visual: cima, baixo, reto e ampliado.

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Os últimos quadros tem um truque de estabelecer uma expectativa e depois quebra-lá. Os quadros finais uma sequencia de imagens, mas muda para um novo angulo, uma nova imagem chocante e poderosa.

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Em última analise o estilo de 9 painéis possuem restrições e elas forçam o desenhista Mitch Gerads a encontrar maneiras inesperadas para fazer novas descobertas.